Esta obra, titulada Índigo, fue escrita por el compositor Yiruma, nacido es Corea del Sur. Creció en Inglaterra y comenzó tocando el piano desde los cinco años de edad. En 2001 Lanzó su primer álbum más popular hasta la fecha; First love, en el que River flows in you es su nº 1.
En esta pieza musical, nos encontramos ante una variación sobre un mismo tema principal. Dicho tema es interpretado por dos instrumentos; piano y guitarra española. Por el conjunto en sí, es una melodía acompañada, puesto que la voz principal la lleva la guitarra y es el piano quien acompaña por detrás. La tonalidad en la que se desarrolla la pieza musical es Sol mayor, lleva el tempo en ¾. Está compuesta por un tema principal, al que llamaremos A, y otra parte a forma de coda, al que llamaremos B.
Comienza el piano presentando el tema principal A, a continuación es la guitarra quien prosigue con el tema. Según va repitiendo este tema, va realizando más ornamentaciones. Dentro de esta sección, se puede hacer una subdivisión ( a1- a2 ). El punto de clímax en toda la pieza, se va a llevar a cabo en la última repetición de a2.
En la parte B, que es la continuidad de la parte A, la guitarra realiza unos arpegios graves, dando así un nuevo énfasis a toda la melodía. La primera vuelta, como ya se dijo antes, la realiza la guitarra con tonos graves y medios, y la segunda vuelta va a interpretarlo el piano, en tonos agudos y medios. Como en cada repetición, la segunda vuelta va a ser más ornamentada. Para acabar esta sección, y así toda la pieza musical, el final es el misma frase que acaba la parte A. esta frase se va a repetir cinco veces. Cada vez que se repita esta frase conclusiva va a ser ornamentada, así, hasta dar el final en una cadencia perfecta.
He elegido esta pieza porque me gusta mucho la fusión de estos dos instrumentos. En sí, la música de Yiruma me produce un ambiente de tranquilidad y paz. Es por eso que me gustan tanto.
Hexany está compuesto por una formación de rock clásica: dos guitarras, bajo y batería. Navegan entre el estilo del indie y el rock alternativo, influenciados por bandas como Incubus, Radiohead o Muse. Se caracterizan por una abundante utilización de compases irregulares y armonías complejas.
Este tema en concreto, que forma parte de su primer álbum “Colormind”, está escrito en un compás de 5/4 y la tonalidad principal es Mi M. La estructura es relativamente simple comparada con alguno de sus otros trabajos: Introducción, primera estrofa seguida de primer estribillo, segunda estrofa seguida de segundo estribillo (misma melodía con diferente armonía), puente (por el medio del puente un solo de guitarra con los acordes del estribillo principal), y un nuevo riff que desembocará en el tema del bajo de las estrofas. En este caso la guitarra rítmica apoya básicamente los pulsos débiles y la armonía en las estrofas y realiza los acordes principales en el estribillo, mientras que la guitarra secundaria se dedica a hacer efectos con diferentes arpegios y efectos.
Personalmente he elegido este tema por su calidad tanto armónica y rítmica como por su letra. La voz de David posee la potencia de un cantante clásico de ópera y creo que eso añade un punto interesante a la formación. Además, la batería y las guitarras tienen un trabajo impecable, y la línea del bajo es tan característica que se convierte en peligrosamente pegadiza.
Aquí dejo la letra del tema y alguno de sus otros trabajos:
Start falling in reverse
maybe you could see what's happening there
there was a bomb smashed in the ground.
Crowd is spinning out, they're all spinning out,
she said "I was killing for you"
to find a perfect me, a perfect you.
Take sustain, hold to a sign,
erase the ones, whose trust was taken.
Turn around come back trust in me again,
hate is the only right, seal just what i said.
You hide between two walls
one is made of fear, one is made of sand.
A bubble in my mind contains my piece of peace.
Explode it! I might take the chance...
Take sustain, hold to a sign,
erase the ones, whose trust was taken.
Act, like you have a choice, you've got to believe
Esta canción se llama Future People y pertenece a una banda llamada Alabama Shakes, un grupo estadounidense de Southern rock y blues-rock, formado en Athens, Alabama en 2009.
Esta versión se escucha desde el propio estudio y se pueden ver los instrumentos usados, a la vez de que no está tan pulido como la versión oficial. Comienza la base principal de las guitarras eléctricas 1 y 2, el bajo, la batería y un coro que hace una harmonía. La voz canta la primera estrofa en el minuto 0:32 y lo instrumentos la acompañan con arpegios que cambian la tonalidad y el penúltimo concuerda con la voz de tal manera que personalmente me suena muy satisfactorio.
Se repite la estrofa en el minuto 0:59 y sigue con el estribillo en el minuto 1:23. A hay una transición de cuatro compases con las guitarras de protagonistas en el minuto 1:48. Vuelve a la estrofa, en el minuto 2:00, que sólo canta una vez y de ahí cambiamos al estribillo de nuevo en el minuto 2:26, que suena por última vez para al fin terminar en un solo improvisado en el minuto 2:52. Me gusta la fuerza de la voz principal, que tiene una sonoridad de soul y que lo une con el sonido rock de las guitarras, dándole un toque único.
Esta canción llamada Slip pertenece a un artista llamado Elliot Moss. Es una canción estilo indie como las que suelo traer. Tiene un tono muy melancólico y un ritmo lento y marcado. Comienza con un estrofa de dos frases, para seguir con el estribillo, que lo repite como tres veces. Sigue con la siguiente frase y vuelve al estribillo, que repetirá dos veces. Pasa a lo que llamo un puente porque cambia de tonalidad y parece como si nos llevase casi al final. Y así es, termina con el estribillo de la canción. Como instrumentos usa un teclado, un saxofón, un bajo, una batería y variados sonidos pregrabados, que se notan más en versiones en vivo. También, la voz del intérprete está muy distorsionada y me gusta más en la versión del video original porque no se le nota tanto. Es una canción que me gusta mucho porque me tranquiliza y a mí personalmente me relaja. También usa un estribillo con un pequeño coro que a medida que lo va repitiendo constantemente, se engancha.
Esta rapsodia fue compuesta para la película August Rush, cuyo compositor es Mark Mancina ( compositor estadounidense, principalmente de bandas sonoras de Hollywood).
Un breve resumen de la película, para situarnos con el análisis de esta pieza musical. En esta película se desarrolla el trama amoroso entre Lyla Novacek, una virtuosística del violonchelo, y Louis Connelly, un flamante guitarrista de rock. Esta pareja se ve envuelta en un sin fin de obstáculos en su amor, que al final acaban separándolos. Como fruto de ese amor Lyla tiene un hijo, el cual es arrebatado de sus brazos por su padre, haciéndole creer que éste había muerto. El niño crece en un orfanato, pero hay algo especial en él, la música corre por sus venas y es esta pasión por ella, la que lo lleva a buscar a sus padres a través de esta misma. Por tanto a lo largo de la película el niño va escuchar música por doquier, música que le lleva a encontrar a sus padres.
Usando un término más adecuado para esta pieza, por todo lo se desarrolla en ella, se debe decir que nos encontramos ante un poema sinfónico, puesto que va desarrollando toda la historia de la película en sí.
El esquema que sigue este poema sinfónico es : A y dentro de A se puede subdividir en dos partes a1 y a2. Por otro lado está B y dentro de B, también se puede subdividir en tres partes: b1, b2 y b3. Cada sección tiene su propio ritmo, timbre y armonía.
El poema comienza con sonidos naturales que van dejando rastros de notas sueltas, sin embargo éstas van formando una melodía muy suave y natural. Así da paso a A. a1 es una sección principalmente para el violonchelo, en él hay una exposición virtuosística, introducida por un solo de guitarra acústica y violines. Según va avanzando esta sección se va producir una conversación entre el chelo y la guitarra ( en representación de Lyla y Louis). Estos dos instrumentos van a ser acompañados por los violines, vientos metal y platillos, entre otros.
Para dar paso a a2 hay un pequeño puente en el que se desenvuelve la percusión y vientos metal (timbales, platillos, trompas y trompetas), es un momento de suma tensión. A partir de aquí hay un giro de ritmo (ritmo pop-rock), en esta parte, el protagonista va ser la guitarra acústica, hasta que se une en una misma melodía con el chelo. Según se va desarrollando los violines vuelven a ser acompañantes del solo de los instrumentos principales.
Este acompañamiento ayuda a que la sección tome gradualmente más fuerza (sube la dinámica) momento de alto clímax, hasta llegar al final inacabado de toda la parte A.
Dando una vista general a esta parte A, es una sección de mucha tensión y pasión, toda la música tiene mucha fuerza y siempre tiende a subir la dinámica a lo más alto.
En la parte B, todo su conjunto va tener un carácter suave y muy melódico, lleno de sentimiento y emoción. Los violines y los vientos madera van a tener el mando en tada esta sección.
b1 se caracteriza por el juego que hay entre los instrumentos de cuerda frotada, vientos madera y voz blanca (forma de gospel). Una misma línea melódica por los violines se repite tres veces. En cada repetición se va incorporando más timbres y esta incorporación hace que la dinámica vaya subiendo gradualmente. En la primera vuelta están solo los instrumentos de cuerda y oboes y voz, en la segunda vuelta entran segundos violines vientos madera y voz, y en la tercera se incorpora en coro.
Pasamos a b2, en esta sección vuelve a haber un cambio de ritmo, esta vez pasamos a un ¾, ritmo de vals. Protagonismo total de todos los instrumentos de cuerda, incluso se puede percibir por detrás el acompañamiento de una guitarra eléctrica en forma de pedal. Según se desarrolla b2 entra en escena la guitarra acústica, tomando relevo a los violines mientras que éstas lo acompañan. Es la guitarra quien da el final a b2 con arpegios simples.
Así comienza b3, en un ambiente cargado de sentimiento esperanzador, el cual llega al final feliz. Están los violines como voz principal acompañados por los violonchelos con una melodía similar a b1. En el desarrollo de b3 se va subiendo y bajando la dinámica hasta llegar al final de la misma.
El final del poema es en contraste con el comienzo, melodías referentes a lo natural.
La canción comienza con una base armónica con los acordes de la estrofa realizados con un sinte, mientras se le unen unos elementos percusivos como son los “claps” artificiales, hasta que más tarde se une la guitarra con la que es tocada la melodía principal. En segundo plano, podemos escuchar una especie de efecto a modo de shaker, que le da continuidad a la estrofa. En cuanto a la voz en la primera estrofa, predomina notablemente el uso del falsete.
En el estribillo, se realiza un corte que da paso a la nueva sección, que es iniciada con una melodía vocal más tarde acompañada con una base coral y la contundencia de los acordes de la guitarra, al mismo tiempo que un sintetizador realiza unos arpegios programados en segundo plano.
La segunda estrofa comienza de la misma manera que la primera, solo que en esta se une un pequeño set-up de batería, que proporciona una sensación de más número de elementos al tema. A esta estrofa le sigue un segundo estribillo, muy similar al primero.
La tercera estrofa se realiza solo con la guitarra acompañando levemente a la voz. Se introducen nuevos elementos melódicos, por lo que esta sección podría ser considerada también una especie de puente. Por último, un tercer estribillo que desembocará a un solo de guitarra muy similar al de la introducción, con una simple línea melódica que lleva hasta el final.
Como obra, esta no se caracteriza por una gran complicación estructural, sino que más bien se centra en una realización meticulosa de los elementos presentes (guitarra, voz, pads, batería, etc..) todas llevadas a cabo por el propio Jack Garratt, lo que supone una gran capacidad de coordinación tanto mental como física. Un rasgo característico de este tema es su gran sensación polirrítmica en las estrofas, que se resuelve en el estribillo, cuando el compás se transforma en un ¾ corriente.
Me gusta esta canción tanto como por su complejidad armónica y rítmica como por la meticulosidad que el autor presenta a la hora de representarla, y su capacidad para hacerse cargo de tantos elementos al mismo tiempo.
Relacionado con lo que estamos trabajando; este Podcast os indicará hacia dónde quiero encaminar la segunda parte del trabajo. Para contabilizar el trabajo este es el cuestionario, hay que entregarlo antes del 20 de febrero.
Vamos a trabajar hoy en clase el análisis de una fuga, en concreto la Fuga en Do M del primer libro del "Clave Bien Temperado"
Aquí os dejo dos estupendos análisis, aunque como ves no coinciden en todo, como siempre en los análisis hay elementos que son incorrectos y elementos que son argumentables
Es una versión extendida más instrumental de la canción final que aparece en Steven Universe, Love me like you. El instrumento principal es un piano que toca suavemente junto a la voz principal femenina. Aparte, se pueden escuchar guitarras eléctricas, unos platos de una batería y la batería que a veces sale del fondo y se escuchan más cuando se quiere marcar el ritmo. Empieza un inicio instrumental y comienza las dos primeras estrofas , con el tema principal A, que luego se repite sólo la primera estrofa con un pequeño cambio que da pie a la segunda parte, dos estrofas, sonando como tema B. Después suena un intermedio instrumental para volver a sonar el tema principal con diferente texto y que es más calmado.
Me gusta mucho esta canción porque es muy bonita y dicen que según iban emitiendo los episodios iban sonando partes instrumentales de la canción hasta que por fin se pudo montar entera. Me suena como si fuera jazz o blues que es un tipo de música que me gusta mucho y la voz de la cantante es muy suave.
Es una pieza instrumental compuesta por el grupo Alborada. Esta agrupación es de origen peruana, produce música andina-contemporánea desde 1984. El protagonista de los instrumentos es el viento andino: quenas, toyos, zampoñas, sikus y antaras, mientras los instrumentos actuales como la guitarra eléctrica se someten para dar la modernidad que exige el oyente actual.
Como bien se dijo, nos encontramos ante una pieza instrumental en la que se reproduce un mismo tema en distintos timbres y registros de instrumentos de viento. En esta pieza se puede distinguir el tema principal, que es con el que comienza la música, bajo un acompañamiento de bajos y violines. A continuación se escucha una melodía (principal), que va acabar siempre con el tema principal. Esta melodía se va a repetir varias veces, la primera vez va ser desarrollada por el quenacho y la segunda por una flauta travesera, las repeticiones siguientes van a ser a modo tutti. En la mitad de la pieza va haber un silencio, el cual va dar lugar a un pequeño desarrollo del tema principal interpretado por zampoñas y toyos. Finalmente estos instrumentos van a volver a la melodía inicial, por último acaba la flauta travesera dando un final conclusivo con el tema principal.
Hay que destacar el papel de la percusión en esta pieza, puesto que es el que nos lleva a la sensación de encontrarnos en el ambiente natural andino.
Me gusta esta música porque me lleva a recordar mi lugar de origen, los instrumentos, su sonido, su cultura, su diversidad… a parte de relajarme y permitirme soñar.
Ya os avisé que habría podcasts. Este, interesantísimo, sobre las fugas de Bach, espero que os ayude a entender las fugas. Damos como fecha tope el viernes, 20 enero.
